En images: les 100 artistes vivants les plus en vogue de Russie

Elena Fedotova

15 avr 2022

En images: les 100 artistes vivants les plus en vogue de Russie — Alexandre Kislov

Ces artistes sont soit déjà connus sur la scène artistique internationale, soit en train de développer leur carrière en Russie. L'important est qu'ils travaillent tous à nos côtés, ici et maintenant, et que leur art est compréhensible dans toutes les langues.

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Iouri Albert

Albert appartient à la génération de la nouvelle vague du conceptualisme moscovite des années 1980. Il aborde les questions centrales de notre époque – « Qu'est-ce que l'art ? » et « Qui est l'artiste ? » – et le fait avec beaucoup d'ironie. Clarifiant la position de l'artiste dans le système artistique, il se promène librement dans les pages de l'histoire de l'art, poussant jusqu'à l'absurde les idées reçues et les stéréotypes.

Evgueni Antoufiev

Sa carrière a commencé très tôt – et avec un succès immédiat. À l'âge de 23 ans déjà, ce natif de la République de Touva, dans le sud de la Sibérie, a été remarqué par des conservateurs à Moscou, a rapidement été nommé meilleur jeune artiste par le prix Kandinsky russe et est entré dans l'orbite internationale – il a participé à plusieurs projets européens, notamment à la Biennale Manifesta de Zurich. Son travail montre l'influence du chamanisme, prévalant dans sa « petite patrie », mais le contexte global est plus large : il s'agit d'une transformation des mythes archaïques et de l'actualisation de la conscience magique.

Dmitri Aské

Il a commencé dans les années 2000 à réaliser des graffitis, s’adonnait au graphisme et à l'illustration, et est l’auteur de peintures murales à grande échelle à Moscou, Vladivostok, Mannheim (Allemagne) et dans d'autres villes. Après avoir acquis une certaine popularité dans le domaine de l'art de rue, il s'est tourné vers les ventes en galerie et les collaborations avec des marques célèbres (Nike, Sony et autres). Ces dernières années, ses œuvres les plus connues comprennent des sculptures de rue de grand format et des reliefs intérieurs en contreplaqué à plusieurs couches, avec des taches de couleur localisées et des images en mosaïque.

Tatiana Akhmetgalieva

Cette graphiste, maître des installations mémorables dans lesquelles la broderie de la toile enfile la mémoire dans l'espace environnant, est née à Kemerovo, a étudié à Saint-Pétersbourg, et vit et travaille entre les deux capitales de Russie. Elle a fait ses grands débuts en 2010 à la Biennale de l'Oural à Ekaterinbourg. Depuis lors, son travail a été présenté par quelques galeries européennes, et ses graphiques surréalistes vivants ont été exposés dans des musées et des galeries du monde entier.

Antonina Baïever

Antonina travaille avec la vidéo, les installations, les objets et la peinture. Elle mène une réflexion critique sur le contexte contemporain, créant des œuvres ironiques et absurdes basées sur des situations réelles et modélisant un avenir alternatif. Par exemple, dès son travail de fin d'études, elle a exploré la corruption dans le système éducatif en essayant d'acheter un faux diplôme – le résultat a été un film d'animation avec de vrais dialogues. Les vidéos qui ont suivi sont une réflexion sur les émissions de télévision, l'esthétique des années 1960 et de la « nouvelle vague » au cinéma, l'inégalité sociale et de genre, et la culture pop des années 1990.

Andreï Barteniev

La provocation est une méthode constante de son travail. Cependant, elle est toujours ironique, flamboyante et carnavalesque. Barteniev est l'artiste, le créateur de mode et le showman le plus extravagant de Russie, « l'homme-fête ». Il est l'auteur de costumes de théâtre pour des productions allant de Moscou à New York, le créateur d'installations multimédias, le metteur en scène de grandes performances costumées – et une « performance ambulante » lui-même, vêtu de vêtements surréalistes. Il est également peintre, producteur d'art, concepteur de musée et illustrateur.

Konstantin Batynkov

Pendant de nombreuses années, les peintures et graphiques de Batynkov ont été en noir et blanc. Il attribue sa manière monochrome à l'influence des impressions de son enfance en regardant la télévision en noir et blanc. La couleur a fini par apparaître dans ses œuvres, mais les sujets restent « enfantins ». Des bateaux, des avions et des foules de personnes dans des paysages majestueux – tout cela est plus romantique que dramatique. Toutefois, les sous-textes de ses œuvres ne sont en aucun cas naïfs.

Piotr Bely

La jeunesse de cet artiste né à Saint-Pétersbourg s'est déroulée à une époque de changement, où certains paradigmes disparaissaient, remplacés par d’autres. Sa réponse personnelle à cela a été une fascination pour la culture matérielle en voie de disparition. Piotr lui-même appelle sa méthode « modélisation mémorielle », ce qui implique la déconstruction et la réinterprétation d'anciens modèles. Au tournant des années 1990 et 2000, il a vécu à Londres, mais est revenu dans sa ville natale. Au cours des 15 dernières années, il s'est également fait connaître en tant que commissaire d’exposition et chercheur en culture visuelle.

Sergueï Bratkov

La légendaire école de photographie de Kharkov, dirigée par le célèbre Boris Mikhaïlov, qui s'est formée dans les années 1960-70 et s'est distinguée par son intérêt pour les sujets sociaux et disgracieux inadaptés aux journaux et magazines soviétiques, a eu une grande influence sur ce photographe et artiste. Les premières œuvres de Bratkov documentaient la réalité qui l'entourait, mais il est rapidement passé à la création de collages, d'objets et d'installations avec la photographie. De manière ironique et poétique, l'artiste soulève les thèmes de la quête d'identité, de la militarisation de la société, du pouvoir de la consommation et de la publicité.

Alexandre Brodski

Architecte de formation, il a été, dans les années 1980, une figure clé de la tendance à l'« architecture de papier », un phénomène de la fin de l'ère soviétique qui a vu des architectes talentueux fuir la triste réalité pour concevoir des bâtiments imaginaires qui faisaient invariablement sensation lors des concours internationaux.

Dans l'ère post-soviétique, ses fantasmes ont trouvé un exutoire – des installations totales, des objets qui façonnent l'espace, y compris des parcs. En tant qu'artiste, il s'intéresse à l'impermanence et à la fragilité de la mémoire, personnelle et collective. Il construit des ponts instables vers le passé soviétique et les souvenirs d'enfance, parlant de la culture perdue et du passage du temps, et le fait de manière subtile et précise, en jouant sur les demi-tons.

Grigori Brouskine

L'artiste a connu une renommée internationale en 1988 après une vente aux enchères légendaire chez Sotheby's à Moscou. Son Lexique fondamental est devenu un lot de premier ordre et a été vendu pour 242 000 livres sterling, dépassant l'estimation de plus de 10 fois. Quelques mois auparavant, la première partie du Lexique avait été achetée pour 2 000 livres par le réalisateur Milos Forman.

Un an plus tard, l'artiste a émigré en Amérique et vit aujourd'hui entre New York et Moscou. Son procédé préféré est la structure du dictionnaire, le monde entier comme un livre, où l'Ancien Testament est tissé avec la mythologie soviétique. Il transforme la mémoire culturelle de plusieurs générations en un théâtre, joué devant le public par des figures symboliques.

Erik Boulatov

Boulatov compte parmi les fondateurs du Sots-art d'une part et parmi les pionniers du conceptualisme moscovite d'autre part. Le sens de son travail émerge à l'intersection du texte et de l'image : dans ses peintures à partir des années 1970, une image de la vie soviétique partout règlementée, pleine d'injonctions et d'interdictions, émerge.

Les paysages typiques de ses tableaux-objets sont recouverts de textes caractéristiques – « Entrée interdite », « Gloire au PCUS », « Bienvenue ». Après son émigration en France, les slogans soviétiques ont été remplacés par des lignes poétiques, et l'intonation générale des œuvres du classiciste s'est éclaircie.

Dmitri Venkov

Il est ici question d’un artiste travaillant à l’intersection du cinéma d'auteur et de l'art vidéo. Il explore différents groupes sociaux et communautés dans ses films. Par exemple, Krisis (2016) était une relecture de la controverse sur Facebook autour du démantèlement du monument de Lénine à Kiev.

Le film le plus réussi de sa carrière est Hymnes de Moscovie (2018), un voyage sans histoire et visuellement impeccable à travers trois styles architecturaux de Moscou : l'empire stalinien, le modernisme soviétique et l'architecture moderne. La caméra inversée dérive lentement le long de bâtiments emblématiques, de sorte que la ville sans habitants devient un fantôme dans l'azur du ciel clair. Le film a été primé aux festivals d'Oberhausen, de Melbourne et de Vancouver, entre autres. L'œuvre de Venkov a été présentée à la documenta 14 et une exposition personnelle s’est tenue au musée d'art contemporain M HKA d'Anvers en 2020.

Alexandre Vinogradov

De 1994 à 2014, il a œuvré en tandem avec Vladimir Doubossarski et leur travail commun leur a apporté une renommée internationale et un succès commercial. D'un point de vue stylistique, leurs peintures mélangent les techniques du réalisme socialiste et du pop art, tandis que leurs thèmes reflètent les sentiments dominants des décennies post-soviétiques avec tous les pièges de la transition vers le capitalisme.

Dans son travail en solo, Vinogradov s'écarte cependant autant que possible de ce style. Dessinateur subtil et observateur philosophe, il peint des paysages et des vues urbaines qui se reflètent dans les vitrines des magasins et les fenêtres des trains.

Ian Guinzbourg

L'artiste s'inscrit dans la tradition du conceptualisme moscovite et travaille sur le thème de la mémoire et de la création de mythes personnels. Guinzbourg est un pseudonyme emprunté à Iossif Guinzbourg, un artiste outsider des années 1960 au destin tragique.

Le jeune Ian Tamkovitch (son véritable nom) l'a connu peu avant sa mort, a rêvé d’organiser l’exposition de ses œuvres et a « hérité » de ses archives et de son nom de famille. Cette rencontre a donné lieu à une série d'installations et d'expositions portant sur l'art soviétique des années 1960 et 1970 et ses protagonistes.

Aslan Goïssoum

Pour Aslan Goïssoum, né à Grozny, la capitale tchétchène, en 1991, les guerres de Tchétchénie ne sont pas seulement des événements de l'histoire mais des choses qui se sont passées sous ses yeux. Goïssoum raconte cette terrible page de son enfance, de l'histoire locale et des habitants dans des installations, des ready-mades et des vidéos, soit documentaires, soit métaphoriques – comme dans les livres aux entrailles « explosées » de la série Sans titre (Guerre).

Avec cette série, l'artiste, désormais acclamé sur la scène artistique européenne, a fait ses débuts à Moscou en 2011.

Ivan Gorchkov

Cet artiste de Voronej dispose d'une grande variété de matériaux dans son arsenal, passant librement de la peinture à la sculpture et de l'animation à l'art public. Il décrit son style comme un « expressionnisme semi-abstrait », ce qui implique que son travail s'inspire fortement des formes modernistes du XXe siècle. L'auteur attache une grande importance à la corporalité et à la matérialité de ses œuvres.

Les sculptures brutales et parfois grotesques réalisées en métal soudé sont son signe distinctif. Ces dernières années, il est devenu une figure de plus en plus visible sur la scène artistique internationale.

Evgueni Granilchtchikov

Evgueni a commencé sa carrière dans les années 2000 en tant que photographe, mais dès le début, il a été attiré par l'art vidéo et la réalisation. Ce sont les courts métrages qui sont devenus la base de son style. Granilchtchikov, selon ses propres termes, produisait alors « une reconstitution de la vie quotidienne des années 1910 ». Cependant, il ne s'arrête pas aux formats de l’écran et a un penchant pour les installations multimédias. Il est lauréat du prix Kandinsky dans la catégorie Jeune artiste (2013) et participe régulièrement à des expositions internationales, ainsi qu’à des festivals de cinéma d'auteur.

Dmitri Goutov

Cet artiste intellectuel est un marxiste convaincu et un admirateur des idées du philosophe marxiste Michael Lifshitz. Suivant son idole, Goutov tente de redonner à l'esthétique marxiste sa véritable signification, ce qui le place sur l'agenda international, où le discours de gauche est plus demandé que jamais.

Son art est en grande partie une illustration des idées de Marx telles qu'interprétées par Lifshitz. Dans le même temps, si Goutov critique le modernisme dans une perspective marxiste, il est tout à fait à l'aise dans le territoire du postmodernisme.

Vladimir Doubossarski

Ce peintre est l’auteur de grandes toiles qui reproduisent invariablement un monde heureux, une utopie luxueuse, un rêve ou un songe. Il a travaillé avec Alexandre Vinogradov de 1994 à 2014. Leur tandem artistique est devenu l'un des phénomènes les plus marquants de l'art post-soviétique, reflétant les humeurs et les goûts de trois décennies – les années 1990 « sauvages », les années 2000 « grasses » et les années 2010 marquées par la crise.

Dans son travail en solo, il continue de dépeindre un « portrait de notre époque », en explorant la représentation des réseaux sociaux et en repensant le passé soviétique.

Groupe Elikouka

Il s’agit du duo d’Oleg Elisseïev (1985) et d’Evgueni Koukoverov (1984). En plus de créer des œuvres à partir d'objets trouvés et des installations interactives, les artistes font de la musique dans un éventail allant de la new wave au punk, de l'art de la performance à la peinture.

Leurs œuvres sont imprégnées d'une humeur espiègle et d'une attitude ironique à l'égard de tout ce qui est routinier – cette position sert de critique de la société hiérarchique, du consumérisme et d'une tentative de libérer le spectateur de la pression de l'ère numérique.

Anna Jioloud

Que l'artiste plie ses sculptures à partir de verges de fer ou qu'elle peigne des objets quotidiens, les contours qui en résultent sont l'essence des choses, les « nerfs » des sensations. Les sculptures et les peintures sont très graphiques.

Jioloud est une artiste de la réflexion, pas de la vanité. Sa participation au projet principal de la 53e Biennale de Venise en 2009 n'a pas annulé le fait qu'en 2012, elle a organisé une exposition-disposition de ses œuvres à Moscou, et a ouvert une « non-galerie » près de Moscou, un lieu où le commerce ne règne pas en maître.

Arseni Jiliaïev

L'éducation philosophique professionnelle a poussé cet artiste de Voronej à comprendre et à travailler avec le marxisme radical, puis avec le cosmisme russe. Sur la base des idées de ce dernier, l'artiste a eu l'idée de créer des musées imaginaires, exempts de l'obligation de présenter un art canonique ou universellement reconnu.

Les « institutions » qu'il a créées sous forme d'installations totales ont captivé le public dans de nombreux musées et galeries réels du monde entier, et les plus mémorables ont été présentées à la galerie Tretiakov de Moscou et à la Casa dei Tre Oci de Venise dans le cadre de la Biennale 2015.

Vadim Zakharov

Il est un artiste de la génération des années 1980 issu de la nouvelle vague du conceptualisme moscovite. Comme beaucoup d'autres, il a combiné la textualité avec des éléments du street art dans son œuvre, tournant en dérision ses prédécesseurs de la décennie 1970. Après avoir émigré en Allemagne, Zakharov est passé d'un ton humoristique à un ton plus romantique.

Son art est une réflexion sans fin, un hypertexte dans lequel se croisent des souvenirs personnels, des sentiments et des expériences de la littérature et de l'art. En 2013, il a représenté la Russie à la Biennale de Venise.

Konstantin Zvezdotchiotov

Le classique le plus ironique de l'art contemporain russe a créé ses premiers projets importants à la fin des années 1970, notamment le groupe artistique Moukhomory, connu pour ses actions parodiques. Les artistes se sont moqués du pathos métaphysique des pères de la « seconde avant-garde » et ont essayé de leur ressembler le moins possible.

Zvezdotchiotov a conservé son intonation satirique même plus tard. Son art est un mélange de dessins animés soviétiques, de cinéma, de presse à scandale, très dans l'esprit des années 1990-2000.

Groupe ZIP

Eldar Ganeïev, Evgueni Rimkevitch, ainsi que Vassili et Stepan Soubbotine, qui se sont unis en 2009 dans un atelier de l'Usine d'instruments de précision (abrégé « ZIP » en russe), ont ajouté un an plus tard une dynamique à la vie artistique de Moscou avec leur installation ironique Recoin vivant, réalisée dans leur style préféré de l'« esthétique d'interaction ».

Depuis lors, ils travaillent ensemble non seulement sur des installations interactives à grande échelle, mais aussi sur le lancement de projets culturels – l’Institut d'art contemporain de Krasnodar KISI, le centre culturel Tipografia, ou encore la résidence artistique dans le village de Piatikhatki.

Francisco Infante-Arana

Son art a reçu une impulsion dans les années 1960, époque de l'exploration spatiale et d'un nouveau cycle de révolution scientifique et technologique. L'artiste est à l'origine de l'art cinétique en URSS. Très vite, Infante a créé son propre groupe, Argo, dont l'un des objectifs était de concevoir une « architecture spatiale ».

Depuis la fin des années 1960, il a préféré travailler en tandem avec sa femme Nonna Goriounova. En plus de ses œuvres cinétiques, il est célèbre pour ses « artefacts », des objets optiques intégrés dans l'environnement naturel. L'artiste a capturé la réalité transformée en photographie.

Alissa Ioffé

Elle est l’auteur d'œuvres graphiques et picturales de grand format qui réagissent aux événements sociaux et politiques actuels. Son style, exécuté en noir et blanc, est proche de l'expressionnisme. L'artiste crée spontanément, en peignant directement sur la toile ou à partir de croquis numériques.

Son travail a attiré l'attention de marques de mode, donnant lieu à des collaborations avec Comme des Garçons, Maison Margiela et d'autres. Ioffé a eu des expositions personnelles en Russie et en Europe.

Ilia et Emilia Kabakov

Depuis le début des années 1990, Ilia Kabakov travaille en duo artistique avec sa femme Emilia. Cependant, Kabakov était déjà entré dans l'histoire de l'art bien avant cela : son atelier est devenu un laboratoire du conceptualisme moscovite dans les années 1970. À ce jour, Kabakov conserve le titre d'« artiste n°1 de Russie », même s'il vit aux États-Unis depuis 30 ans.

Et à juste titre, car c'est lui qui a réussi à transmettre de manière vivante l'atmosphère du monde communautaire de l'époque soviétique et, surtout, à trouver un langage visuel intelligible pour le public international. On attribue également à Kabakov l'invention du genre de l'« installation totale ».

Polina Kanis

Kanis crée des vidéos et des installations dans lesquelles elle explore les mécanismes cachés des transformations sociales, les relations de travail et leur impact sur l'état émotionnel et psychologique des personnes à l'époque de l'Anthropocène.

Les vidéos mises en scène par Kanis, avec des acteurs professionnels et amateurs, présentent une sorte de fossé entre le monde réel et la construction sociale : elle révèle ainsi la fragilité de l'existence. Elle a reçu de prestigieux prix artistiques russes.

Aliona Kirtsova

Sa carrière a débuté à l'époque soviétique avec des expositions clandestines d'art non officiel. Toutefois, ses œuvres n'ont jamais eu de contenu politique ou social. Au début des années 1980, elle a commencé à peindre de manière programmatique, où les observations de la vie et les expériences sensorielles étaient perceptibles derrière l'abstraction géométrique.

Au fil du temps, la nature laconique du Nord russe est presque devenue le principal « héros » de ses toiles. En plus de la peinture, Kirtsova travaille avec l'art graphique, la photographie, les installations et le land-art.

Groupe Kollektivnyé deïstvia

Le groupe a été fondé au milieu des années 1970 par le conceptualiste Andreï Monastyrski. Sa composition changeait constamment, et des spectateurs spécialement invités pouvaient se joindre à ses actions – il est intéressant de noter que cette inclusion est devenue l'une des principales tendances de l'art contemporain.

Le groupe était impliqué dans des actions en dehors de Moscou, dans la nature, où leurs activités ne pouvaient pas passer sous le radar des autorités. Les actions étaient pour la plupart absurdes et ressemblaient davantage à des rituels mystiques ou à des pratiques spirituelles, dans lesquels les participants suivaient des instructions écrites.

Vitali Komar

Vitali Komar et Alexandre Melamid sont les pères fondateurs du mouvement soviétique le plus ironique, le Sots Art. Ayant travaillé côte à côte pendant de nombreuses années, les artistes sont pratiquement devenus un seul auteur avec un double nom de famille. Le Sots Art était le jumeau soviétique du pop art. Si ce dernier imitait la publicité, critiquant la propagande de la consommation, le Sots Art se fondait dans l'esthétique de l'affiche soviétique comme une publicité pour l'idéologie.

Ils ont émigré à la fin des années 1970 et ont continué à travailler ensemble aux États-Unis. Après la rupture avec Melamid, Komar s’est tourné vers l'abstraction géométrique, un genre sérieux et monumental, qui permet de montrer non pas le peintre fictif, mais le peintre réel lui-même.

Irina Korina

Scénographe de formation, Korina a travaillé au théâtre et au cinéma pendant plus de vingt ans et utilise l'« optique théâtrale » dans sa pratique artistique. Ses objets et installations sont faciles à imaginer comme faisant partie d'une performance fictive dans laquelle le spectateur s'implique. Elle utilise des matériaux inhabituels tels que le tissu de bannière, le polycarbonate, le plastique, la tuile et le papier.

L'ordinaire et le fantastique, le kitsch et l'esthétique s'entrechoquent dans ses œuvres. Elle semble les créer à partir de tout ce qu'elle voit autour d'elle, réassemblant l'ADN de la réalité russe, et le fait avec charme et amour. Elle a participé deux fois à la Biennale de Venise – dans le pavillon russe (2009) et dans le projet principal (2017).

Taïssia Korotkova

Korotkova combine son intérêt pour les réalisations de la science avec une peinture délibérément traditionnelle, presque archaïque. Cette combinaison génère chez le spectateur certains doutes quant à la bienfaisance du progrès – et c'est là la tâche de l'artiste. Elle ne dénonce pas, mais interroge.

Ses séries de longue haleine se rejoignent de plus en plus en un seul sur-projet. Taïssia a reçu le prix Kandinsky dans la catégorie Jeune artiste en 2010. Elle vit en Italie, mais est activement présente sur la scène artistique moscovite.

Alexandre Kossolapov

L'un des principaux représentants du Sots Art a émigré aux États-Unis au milieu des années 1970. L'artiste utilise activement le langage de la publicité, et ses œuvres ressemblent parfois à des mèmes Internet, tout en ayant été créées bien avant l'invention de ce dernier. Le principal intérêt de Kossolapov est de critiquer les idéologies, souvent sous forme de satire, ce qui a donné lieu à de nombreux scandales.

L'exemple le plus notoire est son tableau Lénine-Coca-Cola, à cause duquel la puissante société a tenté de poursuivre l'artiste en justice, l'accusant d'utiliser illégalement le logo et de propagande du communisme.

Egor Kochelev

Tous les peintres professionnels ne sont pas prêts à se lancer dans la pratique de l'art de la rue, mais il y a eu une telle période dans la vie du Moscovite Egor Kochelev. Plus tard, il a continué à avoir cette envie de combiner le « haut » et le « bas », l’art de masse et l'élitisme. Les sujets de ses tableaux sont caractérisés par des mélanges et des paradoxes ; la critique sociale n'y est pas rare, mais elle n'est jamais sans connotation philosophique, à la limite de l'absurde.

Parfois, l'auteur marginalise délibérément les traditions de la peinture académique, cherchant à obtenir la plus grande résonance possible.

Valeri Kochliakov

La peinture de grand format du « principal romantique » de l'art russe est comme une fresque qui s'est effacée avec le temps. Il peint l’architecture grandiose (ou le souvenir de celle-ci) sur des matériaux délibérément « pauvres » – carton, kraft, papier, assemblant les feuilles avec du ruban adhésif, diluant l'acrylique ou la détrempe jusqu'à obtenir des taches sur la surface.

La nature instable et branlante des matériaux semble souligner la même caractéristique des grands empires dans la perspective historique, qu'il s'agisse de l'Antiquité grecque et romaine, du Moyen Âge avec les cathédrales gothiques ou de l'Union soviétique avec les tours de l’empire stalinien.

Olga Kroïtor

Même si Kroïtor n'avait réalisé que sa performance Point de support, dans laquelle elle est restée immobile sur un rondin vertical pendant plusieurs heures, l'histoire de l'art contemporain se serait souvenue d'elle. On peut chercher ou non des allusions culturelles dans ses œuvres, ce n'est pas nécessaire : ce que l'on ne peut manquer d'y voir, c'est une tentative de visualiser et de transcender des expériences universelles.

« Lorsque les points douloureux sont poussés à l'extrême, la problématique finit par se refermer », affirme celle qui est l’une des plus grands maîtres de l'art de la performance en Russie.

Andreï Kouzkine

En 2008, il fait irruption sur la scène artistique avec sa performance En rond, au cours de laquelle l'artiste a marché en cercle dans une piscine de béton liquide, attaché par une corde à un poteau. Après cela, l’on a parlé de lui comme de l'un des jeunes artistes les plus prometteurs. Toutes ses expositions ultérieures, y compris celles de la Biennale de Venise, ont renforcé sa position.

Ses sculptures faites de pain, matériau idéal pour une conversation sur des thèmes existentiels, ne sont pas moins célèbres. Le pain est un symbole de sacrifice et du corps du Christ dans le christianisme, mais en Russie, il est également un symbole de satiété et un matériau traditionnel à partir duquel les détenus des prisons moulent des figurines.

Oleg Koulik

Il s’agit d’une légende de l'art action moscovite. Koulik s'est fait connaître pour ses performances flamboyantes de « chien enragé », aboyant nu et en laisse, attaquant les passants, les visiteurs de galeries et de foires. La première action de ce type a eu lieu en 1994 dans le centre de Moscou et, au cours des quatre années suivantes, l'homme-chien a fait une tournée à Zurich, Vienne, Berlin, Paris, New York et d'autres villes.

Dans les années 2000, il a travaillé avec des installations : dans la plus connue, Joueuse de tennis, il a représenté Anna Kournikova sautant au sommet de ses émotions sportives, faite de cire avec des points de taxidermie – il a exploré la transformation de la nature et de la culture vivantes en un musée zoologique artificiel, où les animaux empaillés sont morts et inoffensifs. Aujourd'hui, il travaille avec le collage de photos et la peinture.

Alexandre Koutovoï

Pour ses sculptures, il utilise à la fois des matériaux traditionnels, comme l'argile, le bronze, la céramique, le marbre, et des technologies modernes, comme le plastique et l'impression 3D. Il travaille avec l'agenda médiatique contemporain, le repensant avec beaucoup d'ironie et de critique, et explore le système dans lequel il vit et les moyens de le transformer.

Ainsi, le désir répandu d'un corps parfait et la passion pour un mode de vie sain ont donné lieu à un projet majeur, Bulky Biceps Trying To Fly – des sculptures antiques classiques transformées en équipements sportifs. Dans d'autres projets, Koutovoï explore le libre arbitre de l'homme dans des conditions rigoureusement programmées – des figures anthropomorphes faites d'argile pas encore complètement figée prennent une nouvelle identité directement lors de l'exposition, à chaque interaction avec elles.

Gueorgui Lititchevski

Il était un scientifique sérieux, un historien de formation, mais à ses heures perdues, il dessinait des bandes dessinées. Sa passion pour cette activité a vaincu la science et il est devenu l'un des artistes qui ont promu une nouvelle esthétique dans les années 1990.

Sa notoriété lui est venue pendant la perestroïka, alors qu'il était membre du squat Detski sad (Jardin d’enfants) à Moscou. À l'époque, il s'agissait de sa propre version de la tendance new wave. Par la suite, son style a changé, l'artiste a travaillé avec des performances et des installations multimédias, mais l'adhésion à la bande dessinée peut toujours être considérée comme sa marque de fabrique.

Artiom Loskoutov

Loskoutov est devenu célèbre lorsqu'il était étudiant à l'université de Novossibirsk. Dans sa ville natale, l'artiste est à l'origine des défilés de rue annuels appelés Monstration. Des colonnes de jeunes gens aux costumes étranges se déplacent alors dans la cité, déployant des slogans et des affiches dadaïstes – délibérément absurdes.

Il s'est ensuite installé à Moscou, où il s'est lancé, seul, dans des projets combinant art action, art public et activisme politique.

Igor Makarevitch et Elena Elaguina

Les deux conceptualistes ont commencé à travailler en duo en 1990. Leur art est basé sur une recherche pseudo-scientifique, une mystification dans laquelle s'entremêlent des faits et des personnages réels et fictifs. Leurs projets font souvent référence à l'art de l'avant-garde et à ses idées utopiques.

Les artistes eux-mêmes ont décrit leur méthode artistique comme « une combinaison de mysticisme extrême et de matérialité extrême ».

Boris Matrossov

Le groupe artistique Tchempiony mira (Champions du monde), qui a lancé la carrière de Matrossov, a été un phénomène emblématique en Russie pendant la perestroïka. Il a ensuite travaillé en solo, combinant des motifs du pop art, du conceptualisme et du minimalisme.

L'un de ses principaux sujets est la « normalisation », la typification simplifiée de la peinture. Il est actif dans le domaine de l'art public – par exemple, il a créé le célèbre monument de Perm sous forme de slogan Le bonheur n’est pas au-delà des montagnes.

Taous Makhatcheva

Cette artiste est née à Moscou, a étudié à Londres au Goldsmiths College et au Royal College of Art, et a exposé dans le monde entier, de la Tate Gallery au Centre Pompidou, en passant par les biennales de Moscou, Venise et Lyon. Dans ses œuvres vidéo et ses performances, elle explore les thèmes de l'identité nationale et de la culture caucasienne traditionnelle dans le monde contemporain.

Dans nombre de ses œuvres, Makhatcheva apparaît sous les traits de son alter ego – Super Taous, une simple femme du Daghestan en robe traditionnelle et voile qui possède un pouvoir incroyable. Lors d'une représentation au Centre Pompidou, Taous a parcouru les couloirs avec un monument à la mémoire des deux gardiennes du musée du Daghestan qui ont sauvé un tableau de Rodtchenko dans les années 1990 en l'arrachant des mains d'un cambrioleur.

Alexandre Melamid

Il est l'un des fondateurs du Sots Art avec Vitali Komar. En 30 ans de collaboration, ce tandem est devenu un seul et même auteur. L'importance de Komar et Melamid réside non seulement dans le fait qu'ils ont ostracisé et ridiculisé l'idéologie soviétique, mais aussi dans la proximité de leur art avec le langage du postmodernisme international.

Après la séparation du duo, Melamid s'est tourné vers le portrait, avec notamment de nombreuses peintures avec des rappeurs américains.

Groupe Michmach

Le couple Mikhaïl Leïkine et Maria Soumnina travaille en tant que duo artistique depuis 1999. Ces artistes ont eu une période américaine (2001 – 2007, New York), mais depuis 15 ans déjà, ils vivent à Moscou.

Leur style peut être qualifié d'international, bien qu'ils héritent en partie de l'esprit du conceptualisme moscovite (l'un de ses fondateurs était Andreï Monastyrski, le père de Soumnina). L'un des traits caractéristiques du duo est la création de paradoxes visuels et sémantiques à la jonction du design, de la sculpture et de la littérature.

Andreï Monastyrski

Andreï Monastyrski est également l'un des premiers conceptualistes soviétiques, apparaissant à bien des égards comme le radical opposé d'Ilia Kabakov. Si ce dernier révèle l'essence du mythe soviétique sous la forme graphique de peintures et d'installations, les œuvres de Monastyrski sont presque éphémères.

Il est venu à l'art par la poésie, et le texte est plus important pour lui que le visuel. Ses œuvres sont minimalistes et réalisées à partir de matériaux « pauvres » – papier, ficelle, branches et ruban adhésif.

Dmitri Morozov ::vtol::

L'artiste médiatique et musicien qui travaille sous le pseudonyme ::vtol:: crée des installations technologiques, cinétiques et sonores, impliquant souvent les objets ou les phénomènes les plus inattendus.

Par exemple, respirer dans un masque à gaz fait fonctionner un petit orgue à main ; les coups de tonnerre dans différentes parties du monde allument en temps réel l'une des ampoules d’une immense sphère, transmis par Internet. Les installations spectaculaires de l'artiste sont appréciées dans de nombreuses villes du monde, de Singapour à Venise en passant par Paris.

Ekaterina Mouromtseva

Cette philosophe et artiste travaille dans le domaine socio-politique. Elle fait de l'art avec des résidents de maisons de retraite, a réalisé un film basé sur les essais d'écoliers contemporains sur la façon dont vivait l'URSS, et a peint d'immenses aquarelles dans lesquelles les gens perdent leur visage, se transformant en un corps collectif sous le regard de « Big Brother ».

Ce « corps collectif » de l'artiste interroge simultanément la place de l'individu dans l'histoire moderne de la Russie et pose le problème de la mémoire de cette même histoire.

Igor Moukhine

Moukhine est un classique de la photographie russe et un chroniqueur majeur des années 1980 et 1990. Ses films préservent les principaux personnages de cette époque cruciale et son atmosphère. Il a également été le principal photographe de la musique rock russe à l'époque de son existence clandestine – il a photographié presque tous les musiciens cultes et le public lors des concerts.

Certains de ses livres sont consacrés à la photographie de rue et à la vie urbaine dynamique au cours de différentes décennies. Ils contiennent la confusion, le désespoir et l'espoir des manifestations, des chantiers sans fin et du commerce illégal, et en même temps beaucoup de vitalité et de poésie des relations humaines et des couples qui s'embrassent.

Maïana Nassyboullova

Cette artiste et sculpteuse originaire de Sibérie est devenue célèbre après avoir participé à la Triennale d'art contemporain russe au musée Garage de Moscou en 2017. Les critiques ont noté son projet sur la mémoire Ambre actuelle, une série d'objets ménagers moulés en résine.

Ses projets ultérieurs – les séries ironiques Lénine pour l'âme, La patrie écoute et d'autres – étaient également consacrés au souvenir et à la recherche de sens dans la société. Dans ses installations, Maïana associe des formes sculpturales à des œuvres sonores et à la peinture, qu'elle maîtrise aussi bien que les objets spatiaux.

Irina Nakhova

Entrée très jeune dans le cercle des conceptualistes dans les années 1970, Irina Nakhova est rapidement devenue une figure importante. Elle a été l'un des premiers artistes russes à travailler dans le genre de l'installation totale – sa série d’œuvres Pièces dans son propre appartement est entrée dans l'histoire.

Depuis lors, son art a toujours eu une composante d'histoire personnelle, et l'architecture est un élément important de sa pratique. En 2015, elle a représenté la Russie à la Biennale de Venise.

Boris Orlov

Orlov représente la direction du Sots Art dans la sculpture. L'artiste a connu la gloire grâce à ses bustes, dans lesquels des portraits sculpturaux anciens ont été modernisés par l'héraldique soviétique. Les thèmes principaux d'Orlov sont le pouvoir, la pensée impériale et ses origines. Ce faisant, l'artiste explore le « grand style impérial », trouvant des parallèles dans l'esthétique et l'idéologie de divers empires – de l'antiquité à l'Union soviétique.

Après l'effondrement de l'URSS, Orlov s'est tourné vers le thème de la « fin de l'histoire », reconstruisant le mythe d'une civilisation disparue.

Anatoli Osmolovski

Artiste et théoricien de l'art, cofondateur du mouvement Expropriation du Territoire de l’Art, il a été, dans les années 1990, l'un des représentants actifs de l’art action moscovite. Avec ses compagnons d'armes, il a tracé le mot « b*te » sur la place Rouge (« un défi à l'état de l'économie et de la politique de l'URSS »), construit une barricade de boîtes dans le centre de Moscou et fumé un cigare sur l'épaule du monument à Maïakovski.

Au XXIe siècle, il s'est engagé dans la création d'objets et de sculptures et, depuis 2011, il dirige l'institut d'art contemporain Baza qu'il a fondé, destiné aux artistes et aux critiques.

Gocha Ostretsov

Il a débuté comme créateur de mode, héritant de l'esthétique de l'avant-garde russe, et a vécu à Paris où il a travaillé comme assistant des stylistes Jean-Charles de Castelbajac et Jean-Paul Gaultier.

C'est là qu'il a commencé à s'adonner à ses propres activités artistiques. Ostretsov crée une série de peintures et de sculptures basées sur l'esthétique de la bande dessinée. Elles sont consacrées à des modèles de société alternatifs, anti-utopiques, dont les personnages et les structures sont libérés des cadres établis, créant ainsi une nouvelle mythologie. Il a participé au pavillon russe de la 53e Biennale de Venise.

Pavel Otdelnov

Un peintre subtil, connu pour ses projets thématiques explorant les points douloureux non évidents de la réalité environnante dans le présent et le passé récent. L'une de ses séries clés, intitulée Zone industrielle, est basée sur l'histoire de la famille de l'artiste, dont trois générations ont travaillé dans les usines chimiques de Dzerjinsk et ont suivi l'industrialisation des années 1930, la production d'armes chimiques pendant la Seconde Guerre mondiale et le déclin de la production à grande échelle dans les années 1990.

En passant du particulier au général, en changeant d'objectif, l'artiste raconte en même temps les histoires tragiques de personnes spécifiques et d'un grand pays.

Timofeï Parchtchikov

Cet auteur de séries de photos prises en Russie et à l'étranger s'efforce d'obtenir un cliché spectaculaire et cinématographique de génie. Par exemple, la série Suspens, qui l'a rendu célèbre, est unie par le thème de l'inquiétante incertitude, dont l'atmosphère des grandes villes est censée être dépourvue. Les angles et l'entourage nécessaires se trouvent dans la vie urbaine elle-même, généralement observée le soir.

La série de mises en scène Nouvelles brûlantes traite de la nature agressive des actualités : les journaux en feu brûlent les mains de leurs lecteurs. Pour Parchtchikov, toute photographie cherche à révéler la non-évidence des événements, ignorés dans le flux de la vie. Ses expositions personnelles ont eu lieu en Russie, en France, en Allemagne, en Italie et dans d'autres pays.

Tania Peniker

La jeune artiste utilise des techniques graphiques traditionnelles (aquarelle, encre de Chine, gravure) pour créer ses propres univers à la frontière de la fiction et de la réalité et les peupler de personnages fantastiques. Leur élaboration et leur apparence subtiles renvoient aux célèbres œuvres de Jérôme Bosch.

Les séries Sept, qui présente une interprétation moderne des principaux péchés mortels, Ouroboros et autres ressemblent à des bestiaires médiévaux, mais sont basées sur des expériences personnelles. Or, l'optique choisie permet de trouver des couches globales et intemporelles dans les histoires contemporaines.

Pavel Pepperstein

Il est non seulement un artiste prisé, mais aussi un écrivain. À bien des égards, les deux domaines chez lui se chevauchent : la littérature de Pepperstein est visuelle et son activité visuelle est littéraire. De plus, ces deux pans sont unis par un motif absurde et psychédélique. Il a hérité son goût pour l'absurde des poètes russes d'avant-garde, ceux du mouvement de l’Oberiou.

Cependant, ses fantasmes littéraires et artistiques ne sont pas abstraits, c'est un artiste d'un tempérament sociopolitique non trivial, incluant une réflexion sur le destin de la Russie, son passé et son avenir.

Viktor Pivovarov

Dans les années 1970-80, Pivovarov a appartenu au cercle des conceptualistes moscovites. Illustrateur remarquable de la littérature pour enfants, il a préféré le langage de l'art graphique dans ses créations pour adultes. Toutefois, contrairement à Ilia Kabakov, qui a exploré les fondements du mythe collectif soviétique, le travail de Pivovarov s'est d'abord concentré sur le monde intérieur de la personne.

Son travail est plus sentimental, émotionnel et intime, et ses personnages tentent d'arranger ce monde inconfortable dans un espace surréaliste personnel.

Sacha Pirogova

L'artiste base ses vidéos mises en scène sur les mouvements des interprètes, des éléments de la danse contemporaine, trouve une forme plastique et poétique pour des réflexions tant sur la vie quotidienne que sur les « thèmes éternels » de l'art, comme l'amour ou les saisons.

Les compositions soigneusement chorégraphiées et efficaces mettent en avant l'énergie de l'interaction corporelle des interprètes. Ses œuvres sont comme des sculptures vivantes, elles chargent l'espace de ce côté de l'écran de leur danse, laissant le spectateur avec un sentiment de fluidité imprévisible, de complexité et d'incontrôlabilité de l'existence corporelle. Son œuvre Jardin a participé à l'exposition du pavillon russe à la 57e Biennale de Venise.

Ivan Pliouchtch

Spécialiste de l’art monumental de formation, l'artiste est attiré par les œuvres de grand format, non pas avec des « matériaux éternels », mais temporaires, parfois éphémères. Il est un maître des installations occupant l’espace, mais la peinture reste une partie intégrante de son œuvre.

Récemment, Ivan a évolué vers des méthodes post-scientifiques, utilisant l'intelligence artificielle. Il est l'un des fondateurs de l'atelier d'art Nepokorennyé (Inconquis) à Saint-Pétersbourg.

Alexandre Povzner

L'artiste et sculpteur parvient à combiner de manière transparente son intérêt pour les techniques traditionnelles et les formes figuratives avec les idées du conceptualisme. Une grande partie de son travail est construite sur l'autoréflexion – un examen minutieux des impressions de l'enfance, des fantasmes, de l'apprentissage académique et de la routine, le tout multiplié par l'humour et l'auto-ironie.

« Mon travail n'est pas illustratif, mais ce qui m'arrive – surtout l'incompréhensible pour moi – d'une manière étrange ressort en images. Tout comme une psychanalyse », dit l'artiste.

Nikolaï Polisski

Il est l'artiste en chef du land art russe, le créateur et l'idéologue du parc artistique de Nikola-Lenivets dans la région de Kalouga et du festival Arkhstoïanié, qui s'y tient depuis 2006. Sa première invasion artistique dans le paysage rural a été l'armée de 200 bonhommes de neige fabriqués par les habitants sur la rive de la rivière Iougra – selon la légende, cela avait été le lieu des hostilités entre les armées russes et tatares au XVe siècle.

Il a ensuite rejoint les artisans locaux dans un artel coopératif qui, sous sa direction, tisse des vignes, sculpte des objets en bois et crée à partir d'autres matériaux écologiques des objets de grande taille, faisant référence, au sens figuré, aux arcs de triomphe classiques, au collisionneur de hadrons, à l'intelligence artificielle et même aux tubes extérieurs du Centre Pompidou. Avec ses maîtres, il participe à la création de divers objets dans le monde entier.

Alexandre Ponomarev

Les navires, les sous-marins et le romantisme du Grand Nord sont les thèmes auxquels son art est principalement associé. Il a été diplômé d’une école d'art et de l’Institut supérieur d'ingénierie navale dans les années 1970, a servi 7 ans dans la marine et construit sa carrière artistique sur cette base depuis 40 ans. Au cours de cette période, il a peint un sous-marin militaire aux couleurs vives, organisé des performances et des événements artistiques en Arctique, au Groenland et en Antarctique, fait naviguer un sous-marin de sa propre conception sur le Grand Canal de Venise et organisé la Biennale d'art contemporain de l'Antarctique.

Pendant 12 jours, une centaine d'artistes, de philosophes et de scientifiques se sont promenés sur un navire de recherche à travers la glace, organisant des débats, des performances et des lectures de poésie et de philosophie.

Vitali Pouchnitski

« Une peinture est un signe, une image, elle n'a pas besoin de texte, elle n'a même pas besoin d'un spectateur, c'est un souvenir dont peut-être personne ne se souvient, c'est une pensée précipitée dans un sédiment matériel », explique l'artiste basé à Saint-Pétersbourg. Il travaille avec des objets, des installations, des sculptures, des graphiques, mais surtout, il considère la peinture comme la technique la plus « honnête ». Son œuvre, quel que soit le sujet ou la série, est marquée par un certain détachement, la contemplation et la mélancolie. Qu'il s'agisse de ruines classiques, de l'atelier de l'artiste ou de paysages, ses représentations sont exécutées avec grand soin et parlent souvent de la solitude et des ravages du temps.

Timofeï Radia

Il s’agit de l'un des artistes de rue les plus connus en Russie. Radia a commencé au milieu des années 2000 par la création de graffitis et d'objets dans sa ville natale d'Ekaterinbourg. Sa géographie s'est ensuite étendue à Moscou, Saint-Pétersbourg, Berlin, New York et d'autres localités.

Ses œuvres sont généralement réalisées pour un lieu particulier et contiennent un message social ou politique. Pourtant, l’approche de Timofeï, en tant qu’individu ayant reçu une éducation philosophique, concernant les thèmes abordés est plus une question de méditation plutôt que de slogan.

Anna Rotaïenko

L'arsenal de thèmes et de supports (de la musique électronique aux installations en passant par la technologie des jeux) de cette jeune artiste de Grozny, en Tchétchénie, est vaste. « Le féminisme, l'environnement citadin et les matériaux urbains temporaires, les relations au sein des communautés, la culture de masse et la numérisation, l'ingénierie critique et d'autres choses » ne sont que quelques-uns de ses centres d'intérêt.

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Parmi ses projets les plus marquants, citons Ringtone (une « sonnerie » émettant des bruits militaires avec des tuyaux soutenus par une armature en forme de croix) et the Network (une cage de trampoline rose géante).

Roman Sakine

Sakine crée des réalités alternatives très semblables à la nôtre – c'est comme si elles la commentaient avec une touche d'absurdité. Il a notamment mis au monde la Curaspatie (des termes latins « cura » – « soigner » et « spatio » – « espace »), le système philosophico-thérapeutique, sorte de projet de mode de vie sain avec des instructions absurdes.

Il a également imaginé les Sculptures guidées minimalistes dont l'apparence doit être modifiée manuellement. La Tour de signal dans la cour de la galerie Tretiakov, par exemple, a été considérée comme un « simulateur de démocratie » : la communauté décide de l'aspect de l'objet.

Aïdan Salakhova

Fille du célèbre artiste soviétique Taïr Salakhov, elle travaille brillamment le marbre (elle possède un atelier à Carrare), ainsi que la peinture et le dessin. La sémantique de son œuvre repose sur des images de l'Orient filtrées par le prisme de la culture européenne, un érotisme délibéré et une sensualité délicate.

Dans les années 1990, Aïdan a ouvert l'une des premières galeries commerciales d'art contemporain dans la Russie post-soviétique. En 2012, la galerie a été officiellement fermée, et l'artiste s'est concentrée sur son propre travail.

Igor Samoliot

Le thème principal de ses œuvres est la communication moderne via les smartphones, l'influence des possibilités numériques sur la vie quotidienne. La plupart de ses œuvres utilisent des captures d'écran d'un iPhone personnel : présentées sous forme d'impressions géantes, de collages et de sculptures, elles transforment le privé en public, créant un sentiment d'implication dans la vie de quelqu'un d'autre, ainsi que, à l'opposé, celle de la technologie numérique dans la vôtre.

En ajoutant des objets du quotidien aux captures d'écran, il aménage l'espace de ses expositions à la manière d'un Disneyland, dans lequel le spectateur doit oublier ses angoisses et profiter du décor féerique.

Maria Safronova

Les préférences technologiques de cette artiste semblent très traditionnelles – peinture figurative et graphisme. Cependant, derrière des sujets réalistes, le plus souvent tirés de la vie quotidienne (école, hôpital, bureau), l’on trouve une exposition de l'absurde et une critique sociale.

L'analyse du « biosystème humain » conduit parfois l'auteur à des visions presque surréalistes. Ses expositions comprennent souvent des modèles 3D ou des objets spécialement sélectionnés.

Groupe Sever-7

Le groupe, apparu à Saint-Pétersbourg en 2013, est l'une des associations les plus énergiques d'aujourd'hui. L'essentiel pour ce collectif (il n'a pas de frontières claires et se compose de neuf membres permanents, en plus d’« amis ») est l'interaction, le processus, la performativité et la lutte contre l’ordre établi sur tous les fronts.

Ils ont organisé une foire d'art contemporain indépendante, « Saint-Dogvillebourg », avec une « ville d'artistes autoproclamée », inauguré l’École de dessin actif et de pose performative, et organisé de nombreuses expositions, dont une au musée M HKA d'Anvers.

Slava PTRK (Stanislav Komissarov)

L'un des jeunes artistes de rue les plus visibles, en plus des graffitis ironiques, il travaille sur des thèmes sociopolitiques. Qu'il s'agisse des guerres de Tchétchénie, comprises dans un projet commun avec le groupe SBPTch intitulé 1999, basé sur les souvenirs des participants et des témoins oculaires du conflit, ou de l'apathie générale du pays dans la performance On s’en fo*t… dansons.

Dans ce dernier, 50 couples valsant dans la neige ne veulent pas avoir vent des mauvaises nouvelles, et à mesure que le drone s'élève au-dessus d'eux, il devient évident qu'ils forment tous ensemble le nom de l'action.

Khaïm Sokol

« Ma tâche et mon principal défi consistent à trouver et à montrer des traces du passé dans le présent, mais pas par nostalgie, mais pour que la trace perdue résonne avec le présent », relate l'artiste, chercheur et poète Khaïm Sokol. L'histoire (principalement celle de sa propre famille) et les expériences traumatiques sont des thèmes centraux de son travail depuis sa première exposition, Cryptomnesia, en 2007.

Depuis lors, ses emblématiques oiseaux noirs et figures humaines ont fait l'objet de divers projets, notamment d'expositions personnelles au MMOMA et à la galerie Tretiakov de Moscou.

Alexandra Soukhareva

Cette artiste est à l’origine de nombreuses installations et objets dans lesquels la nature et le temps agissent comme des co-auteurs presque à part entière des œuvres. Elle utilise activement les propriétés chimiques des choses comme métaphores de ses propres pensées, expériences et souvenirs, qu'il s'agisse de faire pousser des cristaux ou d'oxyder des surfaces de miroir.

Soukhareva est aujourd'hui l'un des artistes russes les plus prisés en Europe – depuis 2012, son travail est promu par la Fondation V-A-C Leonid Mikhelson et Teresa Mavica. Grâce à eux, elle a participé à la dOCUMENTA (13) de Cassel qui fait autorité et a exposé dans l'espace de la fondation à Venise, à la Tate Modern de Londres et ailleurs.

Leonid Tichkov

Ses sujets fantastiques existent sous diverses formes d'art, du graphisme aux installations vidéo et aux livres d'artiste. Il a fait ses débuts à la fin des années 1970 – alors qu'il était étudiant en médecine, il s'est intéressé à la caricature, a fait connaissance avec un cercle de conceptualistes moscovites et a troqué la médecine contre l'art libre.

Selon Tichkov, il a un « mode de pensée mythologique » dans lequel sont tissés le folklore ouralien, les contes de grand-mère, la métaphysique, la poésie du surréalisme français et le « zaoum » de Velimir Khlebnikov. De ce mélange émerge une mythologie personnelle et des intrigues improbables ramifiées.

Olga Tobrelouts

Formée en tant qu'artiste à la fin des années 1980, elle a étudié l'architecture à Leningrad (aujourd’hui Saint-Pétersbourg) ainsi que l'infographie à l'institut ART+COM de Berlin, et a été membre du légendaire groupe Novaïa Akademia fondé par Timour Novikov. Le néo-académisme, avec son culte du corps humain, ses canons classiques de la beauté et ses nombreuses citations issues de l'histoire de l'art, s'est combiné dans son travail à la technologie informatique moderne.

Les panneaux lenticulaires, la vidéo et la peinture deviennent un moyen de créer son propre méta-univers, où se croisent les idoles pop modernes, les héros antiques, la publicité et les marques de mode.

Ivan Touzov

Le pixel art est la carte de visite de Touzov. À l'ère du numérique, faire des images dans lesquelles les pixels sont dessinés ou mosaïqués n'est même pas du glitch-art, mais un mouvement à contre-sens, bien qu’universel.

De cette façon, Touzov peut transformer un dirigeant du prolétariat international ou un policier en une sorte de personnages de dessins animés, les héros d'une épopée idiote. En outre, l'artiste reprend actuellement activement le pinceau – ses expériences avec l'abstraction gagnent en popularité.

Natalia Tournova

L'origine de sa peinture se trouve dans l'art des fauvistes. Toutefois, seulement la source, pas le résultat. Tournova est une artiste à part entière, qui pense à sa manière et s'affranchit des stéréotypes. Sa fascination pour le genre du portrait depuis de nombreuses années l'a conduite à la création de son propre style dans lequel la couleur et la forme jouent le rôle de caractéristiques psychologiques et d'outils d'analyse existentielle. Elle a également réalisé d'autres types d'œuvres au-delà de la peinture, notamment des objets, des sculptures et des installations.

Il est très visible que l'auteur se préoccupe beaucoup plus de « comment les choses sont faites » que de « ce qui a été fait ».

Semion Faïbissovitch

Dès la fin des années 1970, Faïbissovitch est devenu une figure importante de la constellation des artistes moscovites non officiels. Avec le début de la perestroïka, ses peintures photoréalistes ont attiré l'attention des galeries occidentales : il a eu plusieurs expositions aux États-Unis et en Europe.

Ses peintures de la réalité soviétique ont été progressivement remplacées par des sujets post-soviétiques, et sa peinture pure a fait place à des expériences d'optique photographique et de mobilographie. « Un artiste doit vivre son temps, c'est sa principale valeur et ressource », estime-t-il.

Egor Fedoritchev

Fedoritchev utilise souvent comme toile des matériaux industriels de seconde main, tels que des bâches ou des tissus pour bannières. Les « sujets » de ses tableaux, où des images figuratives peintes à grands coups de pinceau se mêlent à un arrière-plan abstrait et criard, s'inscrivent dans la lignée de son insouciance délibérée dans l'exécution (il coud grossièrement des morceaux de tissu comme base pour la peinture, laissant les toiles finies sans cadre, suspendues au mur ou au plafond).

Il y a quelque chose comme un palimpseste dans les peintures de Fedoritchev, qui reflète les turbulences de notre époque.

Ilia Fedotov-Fedorov

« Pour moi, la nature est indissociable du thème de la découverte de soi », explique l'artiste, qui est venu à l'art en venant de la bio-ingénierie. En effet, le monde intérieur personnel, l'environnement et la technologie sont au cœur de son travail depuis environ sept ans.

La nature est également le principal fournisseur de matériaux pour ses œuvres, réalisées dans une variété de techniques, de la photographie à la vidéo en passant par les assemblages et les installations.

Artiom Filatov

Voici un artiste et activiste de Nijni Novgorod travaillant avec le contexte local et l'identité urbaine. Il a commencé par l'art de la rue en peignant les murs de maisons en bois abandonnées afin d'attirer l'attention sur les bâtiments non commerciaux qui constituent le tissu vivant de la vieille ville. Grâce à ses efforts, certains d'entre eux ont été restaurés par la suite.

Il a remporté deux fois le prix de l'innovation artistique russe : en 2017 pour une exposition dans les salles vides de l'ancien Musée de l’intelligentsia de Nijni Novgorod (avec un groupe d'artistes, il a créé une installation totale autour des histoires et des mythes urbains), et en 2020 pour un projet d'installation sonore avec Alexeï Korsi dans le crématorium de sa ville natale.

Sergueï Filatov

Ses installations sonores sont assemblées à partir de divers matériaux et mécanismes, mais l'accent est mis sur la perception sensorielle – l'artiste invite le spectateur à s'immerger dans l'environnement sonore qu'il a créé, ce qui fait que la familiarisation avec son travail s'apparente à de la méditation.

Au cours de ses expériences, Filatov a inventé une autre façon de produire du son et un nouvel instrument de musique – l'électrolyre. Ses cordes ne sont pas déplacées par la main ou un archet, mais par un aimant, dont le mouvement est prédéfini par un logiciel. Sa version simplifiée, le Duofluctus, un instrument à deux cordes, est utilisée par des musiciens du monde entier, et Filatov l'a montréе dans un projet majeur à la 58e Biennale de Venise en 2019 dans le cadre d'une installation de l'artiste français Tarek Atoui.

Andreï Filippov

Diplômé de la faculté de mise en scène de l'école du théâtre d’art académique de Moscou, représentant de l'école conceptuelle, Filippov pense spatialement, et chacune de ses expositions se transforme en installation, quelle que soit la technique utilisée. Il conceptualise souvent la conscience impériale en utilisant des aigles bicéphales ou des symboles religieux, qui font également partie de sa propre pensée impériale.

Ou, comme dans l'installation La Cène avec la table recouverte d'un tissu rouge, des faucilles et marteaux servant ici de couverts.

Aristarkh Tchernichev

L'un des pionniers de l'art médiatique en Russie, il a commencé sa carrière artistique en 1991. Ses objets sont technologiques et souvent interactifs. L'artiste utilise l'impression 3D, la vidéo, la réalité virtuelle, la réalité augmentée et d'autres technologies, et entre souvent dans la sphère de la science-fiction en inventant de nouveaux gadgets et services liés au développement futur des réseaux sociaux, du génie génétique et de l'intelligence artificielle.

Parmi ses nouveaux projets notables, citons PiO (acronyme anglais d’Organisme d’information personnel), un hybride entre une sangsue et un smartphone qui vit au poignet, se nourrit du sang de son porteur et prend soin de sa santé en retour.

Olga Tchernycheva

« Je fais ressortir les racines absurdes de la normalité », précise Olga lorsqu'on la qualifie de peintre réaliste. L'absurdité est le fondement, le noyau qui est présent dans presque toutes ses œuvres, qu'il s'agisse d'une peinture avec des laveurs de vitres de gratte-ciel ou d'une photographie avec des lustres en cristal dans un décor de forêt au bord d'une autoroute.

Tchernycheva est l'un des artistes russes les plus demandés dans le monde. Elle a participé à des projets majeurs à la Biennale de Venise, à la Manifesta à Zurich, et a exposé de Moscou à Londres, en passant par New York.

Valeri Tchtak

Le charme des peintures textuelles de Tchtak réside dans leur absurdité fréquente mais discrète. « Le kung-fu n'est pas le marxisme – soit tu le maîtrises, soit tu ne le maîtrises pas » ou « Je ne sais pas – je suis de Moscou ».

Elles sont comme des phrases tirées au hasard d'un discours de rue – parfois, on peut même trouver une sorte de sagesse dans une telle absurdité. L'esthétique de l'art de la rue, la nature performative du geste se ressent dans les toiles et les installations signées de l'artiste.

Groupe Chto delat

Le nom du groupe, se traduisant comme « Que faire », fait écho au titre du célèbre roman de Nikolaï Tchernychevski. Il est composé d'artistes, de critiques, de philosophes et d'écrivains de Saint-Pétersbourg, Moscou et Nijni Novgorod. Le travail créatif comprend la création d'expositions d'art – installations ou projets dans l'espace public, publication de journaux, production de spectacles et pièces de théâtre, ainsi que des activités éducatives, militantes et de conservation.

Les membres du groupe défendent une critique du capitalisme contemporain et de l'ordre social qu'il engendre, ainsi que la libération de l'activité créative et des arts du système de production consumériste et basé sur le divertissement. Leurs œuvres sont conservées dans de nombreux musées, dont le MoMA à New York et le Centre Pompidou à Paris.

Igor Chelkovski

Ce sculpteur appartient à la pléiade légendaire des non-conformistes – ceux dont l'art s'est développé en opposition à l'imposition du réalisme socialiste à l'époque soviétique. Dès le début des années 1970 s’est formé son style de sculpture, dans lequel l'image est réduite à un schéma, une formule, un signe.

Il s'intéresse au paysage et à l'espace urbain, qu'il déconstruit et sur lesquels il crée ses propres formes – un nuage comme un ensemble de blocs de bois dans toutes les nuances de bleu, un arbre comme une structure linéaire enfermée dans une cage avec des silhouettes urbaines. En 1976, Chelkovski a émigré en France où, entre 1979 et 1986, il a publié la revue A-Ia (Ia étant la dernière lettre de l’alphabet cyrillique russe), qui a fait connaître à l'Ouest l'art de l'underground soviétique.

Sergueï Chekhovtsov

Chekhovtsov est peintre de formation, diplômé de l'Institut académique Sourikov de Moscou, mais il est passé de la peinture pure à la fabrication d'objets sculpturaux. Son choix de matériaux – mousse plastique, mousse polyuréthane, scotch, peinture en spray – a joué un rôle important dans ce changement.

Sergueï a développé ses propres techniques plastiques, qui sont spectaculaires et facilement reconnaissables pour le public. À une époque, son nom était uniquement associé au surnom de « Porolon » (Mousse polyuréthane), mais par la suite, d'autres matériaux ont également été utilisés.

Sveta Chouvaïeva

L'artiste fait partie de la « vague de Samara » : elle y a vécu de 2003 à 2010, a étudié le design environnemental à l'Institut d'architecture et a pris une part active à la vie d'un groupe de jeunes artistes. Sa spécialisation a donné l'impulsion à tous ses projets futurs – graphiques, collages, installations, modélisation de mode.

En 2015, elle est devenue l'une des vedettes de la 3e Biennale industrielle d'Ekaterinbourg avec sa série Personnage de la foule, une imitation semi-abstraite de Kasimir Malevitch avec des personnes sans visage dans un espace métaphysique. Depuis lors, elle a réalisé de nombreux projets dans des musées en Russie et en Europe.

Sergueï Choutov

Lorsque, sous l’URSS, le concept de « média-artiste » n’était pas encore connu, Choutov expérimentait déjà différents formats d'art contemporain. Il était un représentant de l'underground, l'artiste du film culte Assa (1987), qui est devenu le manifeste cinématographique de la perestroïka.

En 1992, il a créé la première installation multimédia en Russie, Expériences sensorielles. Par la suite, ses expériences dans les « zones frontalières » entre la peinture, la performance, la vidéo, le son et d'autres médias l'ont toujours caractérisé.

Oustina Iakovleva

Elle a commencé par la peinture abstraite, où l'image, peinte par petites touches à la manière des aborigènes australiens, semble proliférer comme un organisme vivant, remplissant soit toute la toile, soit des parties séparées de celle-ci. Plus tard, elle est passée des formes biomorphiques à la création d'objets et de sculptures en tissu qui ressemblent à diverses sortes de mollusques privés de leur habitat.

Iakovleva utilise de riches broderies, recouvrant généreusement les objets de perles et d'autres éléments décoratifs, comme si elle rivalisait en habileté décorative avec des spécimens naturels.

Groupe AES+F

Le groupe existe depuis 1987. Le nom est composé des initiales des participants, Tatiana Arzamassova, Lev Evzovitch, Evgueni Sviatski et Vladimir Fridkes, qui les ont rejoints en 1995. Dans des photoprojets et des installations vidéo multicanaux, tournés dans un style glamour envoûtant, les artistes construisent des scénarios apocalyptiques du futur, analysent le langage des médias modernes, dissèquent et rendent absurdes les stéréotypes sociaux. Le multiculturalisme, l'influence mutuelle de l'Orient et de l'Occident, le culte de la jeunesse et de la beauté, les mythes anciens et l'hommage à la grande peinture de la Renaissance, la technocratie et le triomphe du féminisme ne sont que quelques-uns des thèmes de leurs œuvres de la dernière décennie.

Groupe Recycle

Des bennes à ordures avec des silhouettes humaines dépassant des parois, rappelant des stèles et des pierres tombales ; des bas-reliefs, semblables à des œuvres antiques mais réalisées en maille ; des allusions aux portails des cathédrales médiévales faites de tuyaux ondulés ; une couche culturelle dans laquelle des téléphones portables sont incrustés en permanence ; une énorme lettre F de Facebook en polyuréthane ; la réalité virtuelle – l'intemporel et le jetable, le traditionnel et le high-tech sont toujours présents dans le travail d’Andreï Blokhine et Gueorgui Kouznetsov qui travaillent ensemble depuis le milieu des années 1990.

Avec leurs objets et installations spectaculaires, les artistes ont déjà parcouru la moitié du monde, de Moscou à Londres et New York.

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